Técnica: Aguafuerte, aguatinta y punta seca
Medida mancha: 50 x 74 cm.
Papel: 63 x 90 cm.
Edición: 50 Ejemplares
Ref.: JC-058
Año de Edición: 1998
Precio *: 400 €
* Precio sin I.V.A.
BLACK BLUE
Técnica: Aguafuerte, aguatinta y punta seca
Medida mancha: 50 x 74 cm.
Papel: 63 x 90 cm.
Edición: 50 Ejemplares
Ref.: JC-058
Año de Edición: 1998
Precio *: 400 €
* Precio sin I.V.A.
Martín Chirino
Las Palmas de Gran Canaria, 1935 - Madrid, 2021
Martín Chirino fue uno de los escultores más relevantes de la segunda mitad del siglo XX en España. Reconocido internacionalmente por su dominio del hierro y su capacidad para fusionar la tradición escultórica con una visión innovadora y contemporánea, su obra ha trascendido fronteras y continúa siendo una de las más representativas del arte moderno en España.
Chirino nació en Las Palmas de Gran Canaria y desde joven mostró interés por la escultura. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal y, más tarde, en Madrid, donde se formó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. A finales de los años 50, se trasladó a París, donde tuvo contacto con los movimientos vanguardistas de la época. Durante su estancia en la capital francesa, fue influenciado por la escultura abstracta y los movimientos minimalistas, lo que marcó un punto de inflexión en su obra.
En 1958, Chirino fundó junto a otros artistas canarios el grupo "Los Canarios", que fue crucial en la introducción de la modernidad en el arte de las Islas Canarias. Este grupo se comprometió con una visión renovadora de la escultura, alejándose de las influencias clásicas y tradicionales y apostando por el desarrollo de un lenguaje artístico que fusionara las formas geométricas con el trabajo de la materia.
El trabajo de Chirino está profundamente marcado por la relación entre el espacio y la materia, especialmente el hierro, que se convirtió en su material predilecto. Entre sus obras más emblemáticas destacan las series de "Agujeros Negros" y las "espirales". Las primeras, con su forma abierta y dinámica, evocan la noción del vacío y la energía, mientras que las segundas, cargadas de simbolismo, están relacionadas con la naturaleza y el movimiento. Estos elementos, que exploran las conexiones entre el arte, la ciencia y la naturaleza, le permitieron a Chirino hacerse un nombre en la escultura contemporánea, transformando un material tan rígido como el hierro en formas fluidas y orgánicas.
A lo largo de su carrera, Chirino no solo exploró la escultura, sino que también trabajó en proyectos de escultura monumental, intervenciones públicas y exposiciones colectivas que lo llevaron a exponer en instituciones internacionales de prestigio. Entre ellas, destacan el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Fundación Martín Chirino en Las Palmas de Gran Canaria (donde se conserva una gran parte de su legado), y el Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca.
La obra de Chirino ha sido parte de numerosas colecciones públicas y privadas, y su estilo ha sido reconocido por su capacidad para integrar elementos de la cultura canaria con el arte contemporáneo. También destacó por su trabajo en escultura monumental, donde sus obras se han exhibido en diversos espacios urbanos de renombre internacional.
Martín Chirino recibió numerosos premios y distinciones a lo largo de su carrera. Entre ellos se destacan el Premio Nacional de Escultura en 1982, el Premio Canarias de Bellas Artes en 2011 y el Premio Tomás Francisco Prieto en 2018. En 2004, recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, un reconocimiento a su incansable contribución a las artes y su influencia en generaciones de artistas.
A pesar de su éxito internacional, Chirino nunca dejó de estar vinculado a su tierra natal. Su labor como educador y su dedicación a la promoción de las artes en Canarias dejaron una huella profunda en la cultura insular. Su obra sigue siendo estudiada y admirada por su capacidad para transformar el hierro en poesía visual, sus formas metálicas que vibran con la energía del espacio y su mirada visionaria que conecta el arte con la naturaleza y la historia.
Martín Chirino falleció en Madrid en 2021, dejando un legado imborrable en el arte contemporáneo y una profunda influencia en el panorama escultórico español e internacional.
José Pedro Croft
Oporto, Portugal, 1957
José Pedro Croft es un destacado artista portugués cuya obra abarca diversas disciplinas, siendo particularmente reconocido por su exploración de la escultura, el dibujo y el grabado. Su trabajo ha sido clave en la redefinición de la escultura contemporánea portuguesa, pero también ha dejado una profunda huella en el mundo del grabado, donde ha experimentado con técnicas tradicionales y contemporáneas para crear piezas que exploran la relación entre el espacio, la geometría y la luz.
Croft comenzó su formación artística en el Instituto de Arte de Oporto y continuó en la Escuela Superior de Bellas Artes de Lisboa. Aunque se formó inicialmente en pintura y escultura, fue en el grabado donde encontró un campo especialmente fértil para su experimentación. Desde sus primeros trabajos, se sintió atraído por la capacidad del grabado para reinterpretar el espacio y las formas, elementos que ya formaban parte de su obra escultórica. Su aproximación al grabado es única, pues combina las influencias de la abstracción geométrica con una sensibilidad particular por la materia y la textura.
Su producción gráfica abarca una amplia variedad de técnicas, desde el aguafuerte, aguatinta y litografía, hasta innovaciones propias que exploran la interacción entre la forma y el espacio. En sus grabados, Croft ha logrado crear composiciones complejas en las que las líneas y las formas geométricas se entrelazan y se despliegan, generando una atmósfera dinámica, casi arquitectónica. Al igual que en su escultura, en el grabado Croft se interesa profundamente por la relación entre el vacío y la forma, y cómo la luz puede transformar la percepción de una imagen bidimensional. Su habilidad para manejar las sombras y los contrastes en la superficie del papel le permite dar a sus obras un carácter tridimensional, como si estuvieran emergiendo del plano.
A lo largo de su carrera, Croft ha producido una serie de series gráficas que han sido exhibidas en importantes galerías y museos, destacando no solo por la maestría técnica, sino también por la profundidad conceptual de sus obras. Entre sus series más conocidas se encuentran "Países Imaginarios", que refleja su interés por la creación de paisajes y estructuras abstractas, y "Arquitectura del Tiempo", donde juega con la repetición y la variación, características del grabado, para evocar la idea del paso del tiempo.
Además de su trabajo en la creación de obras individuales, Croft ha sido comisario de proyectos gráficos y ha trabajado en colaboraciones con otros artistas, fomentando el grabado como un medio de expresión que, si bien tiene sus raíces en la tradición, también puede evolucionar hacia nuevos territorios experimentales. Su labor en el grabado le ha valido el reconocimiento tanto dentro de Portugal como en el ámbito internacional, y ha sido objeto de exposiciones y proyectos específicos en torno a este medio.
En cuanto a sus exposiciones de grabado, destacan aquellas organizadas en instituciones como el Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Lisboa, la Fundação Serralves en Oporto y el Museo de Arte de Oporto, donde su obra ha sido objeto de retrospectivas y exposiciones dedicadas al grabado como una de las facetas clave de su producción artística.
A lo largo de su carrera, José Pedro Croft ha combinado el grabado con la escultura monumental y la instalación, creando intervenciones que exploran la relación entre la obra y el espacio en el que se presenta, ya sea en el entorno urbano o en la galería. Su faceta como grabador ha sido un complemento perfecto a su producción escultórica, enriqueciendo la experiencia del espectador a través de la interacción de la forma, el espacio y la luz, elementos fundamentales en su universo artístico.
José María Sicilia
Madrid, 1954
José María Sicilia Fernández-Shaw es un artista español cuya obra transita entre lo contemplativo y lo experimental, reconocido por su investigación constante de la luz, la materia y el espacio. Nacido en Madrid en 1954, comenzó sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de San Fernando, pero muy pronto sintió la necesidad de ampliar horizontes. En 1980 se trasladó a París, donde su contacto con otros movimientos artísticos internacionales le permitió replantear el sentido de lo pictórico y explorar técnicas que iban más allá de los medios tradicionales.
Su obra inicial durante los años ochenta se caracteriza por una figuración expresiva: naturalezas muertas, objetos domésticos, paisajes urbanos, pinceladas gestuales intensas. A partir de mediados de esa década, Sicilia emprende una transformación hacia la abstracción y hacia el estudio de la textura y la luz. Comienza a trabajar con cera, barnices, materiales transparentes o velados que le permiten construir superposiciones sutiles y superficies que parecen vibrar con el paso de la luz. También incluye grabado, instalación y obra sobre papel, desarrollando series coherentes donde cada obra precede o anticipa la siguiente.
Uno de sus proyectos más emblemáticos es Las Mil y una Noches (1996-2016), realizado en colaboración con Michael Woolworth. En esta serie, los cinco volúmenes editados constituyen un compendio de imágenes que dialogan con la memoria, la literatura, el paso del tiempo, y muestran la dimensión simbólica del infinito como metáfora de lo interno, de lo que no siempre se ve pero se intuye. Otra obra destacada es La locura del ver, expuesta en la Calcografía Nacional en Madrid, donde presentó las piezas de Las Mil y una Noches junto con estampas recientes que confrontan fenómenos como la percepción visual, el accidente, lo fractal, lo cuántico, lo que está más allá de lo meramente visible.
En exposiciones recientes ha seguido renovando su propuesta. En 2024 presentó El final del cuento en la galería Prats Nogueras Blanchard en Madrid, con piezas de 2023-2024 que incorporan materiales como latón, bordado, papel japonés, cristal de Murano, óleo, lo que muestra tanto su dominio técnico como su voluntad de combinar materiales distintos para generar tensión entre lo frágil y lo opulento. También ha participado en muestras colectivas como Juan Uslé, José María Sicilia. La pintura en el Parlamento de Cantabria, y Reversos en el Museo del Prado, que permiten ver su obra en diálogo con otros artistas y con el espacio histórico del museo.
Sicilia ha recibido importantes reconocimientos. En 1989 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de España. En 2015 le fue concedida la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. También ha sido premiado por su labor en el arte gráfico con el Premio Nacional de Arte Gráfico, distinción que subraya su capacidad no solo pictórica, sino su dominio del grabado y la obra sobre papel. Vive y trabaja entre París y Sóller (Mallorca), manteniendo un taller activo en ambos lugares, lo que le permite conjugar el ritmo urbano con la intimidad y la luz mediterránea.
Su obra forma parte de colecciones de instituciones de prestigio como el Museo Reina Sofía (Madrid), el CAPC de Burdeos, el CAAM en Canarias, el Museo Guggenheim y el MoMA en Nueva York, entre otras. Sus piezas suelen invitar a una contemplación pausada, a reconocer aquello que aparece justo en el umbral de lo visible: sombras, reflejos, transparencias, lo que se desvanece. Esa tensión entre presencia y ausencia, fragilidad y materia, ha definido su trayectoria como la de un artista que no se repite, que vive atento a los cambios de luz, al pulso del material y a la evocación poética que puede surgir de lo sutil.
Marco Rountree
Ciudad de México, 1982
Marco Rountree Cruz es un artista visual mexicano cuya obra se mueve en la intersección del ornamento, lo natural, lo cotidiano y lo experimental. Su práctica incluye dibujo, instalación, escultura, obra sobre papel, video e intervenciones arquitectónicas, siempre con una sensibilidad hacia los materiales humildes, lo visceral y lo decorativo como vía para transformar la percepción de lo ordinario.
Aunque Rountree no pasó por una formación formal de Bellas Artes reconocida como la universitaria tradicional, desarrolló tempranamente su mirada en colectivos y espacios alternativos de Ciudad de México. Esa experiencia le dio libertad para explorar con grafiti, collage, dibujo, intervención directa de objetos y estructuras, lo que cimentó una obra inquieta, en la que el ornamento no es simple adorno sino estructura poética y conceptual.
Una de sus exposiciones individuales más recientes es Flores y fantasmas (2024) en guadalajara90210, Guadalajara, en la que explora la idea del fantasma —lo que no se ve plenamente— mediante materiales como papel, pigmentos y bordados, jugando con la transparencia y la sombra. Otra muestra importante fue Hipocampo (2020) en el Museo Universitario del Chopo de Ciudad de México, donde presentó piezas de mayor escala y una experimentación más intensa con lo escultórico, integrando vegetales secos, pigmentos sobre madera, y estructuras que invitan al espectador a moverse físicamente alrededor de la obra.
En 2016 destacó su proyecto Muralismo Floritural, que combinó pintura mural, instalación ligera y ornamentación vegetal abstracta, desdibujando los límites entre lo escultórico, lo pictórico y lo ambiental. En esa exposición, Rountree trabajó con materiales como pladur, madera, pigmentos y elementos orgánicos, generando microespacios que parecen jardines alterados, paisajes intervenidos donde la naturaleza se convierte en estructura decorativa.
Internacionalmente, ha participado en exposiciones colectivas relevantes como This is not a void en la Galería Luisa Strina, São Paulo, Brasil, y en trienales o bienales dentro de América Latina y el Caribe. En ediciones anteriores, su obra ha estado presente en la Segunda Trienal Poligráfica de San Juan (Puerto Rico), en muestras organizadas por la Colección Jumex (México), y en espacios como Fundación Jumex con proyectos que lo vinculan con otros artistas contemporáneos interesados en la materialidad y la exploración visual.
Aunque hasta ahora no se ha señalado (al menos en las fuentes consultadas) un premio nacional de gran escala de corte institucional comparable al Premio Nacional de Artes Plásticas u otras grandes distinciones estatales, su reconocimiento en ferias de arte, galerías internacionales y la inclusión de su obra en colecciones tanto privadas como públicas indican una carrera en ascenso constante. Actualmente vive y trabaja en Ciudad de México, manteniendo un taller activo donde experimenta con materiales diversos: bordados, papeles diversos, elementos vegetales y no vegetales, estructuras modulares. En sus piezas recientes se aprecia un contraste más marcado entre lo frágil y lo monumental, lo hecho a mano y lo industrial, lo natural y lo intervenido. Su trabajo invita a detenerse sobre aquello que suele pasar desapercibido —las texturas, las leves imperfecciones, las transparencias— y a considerar el ornamento como forma de pensar, como memoria visual, como vínculo entre lo corporal, lo vegetal y lo arquitectónico
Juan Muñoz
Madrid, 1953 – Ibiza, 2001
Juan Muñoz Torregrosa nació el 17 de junio de 1953 en Madrid. Desde joven desarrolló una sensibilidad estética que lo llevaría a formarse en Inglaterra, donde estudió en el Central School of Art and Design y en el Croydon College, y más tarde en Estados Unidos gracias a una beca Fulbright en el Pratt Graphic Center de Nueva York. Su carrera artística se orientó hacia la escultura y la instalación, campos en los que creó un lenguaje personal basado en la relación entre figura humana, arquitectura y narración implícita.
En los años ochenta comenzó a exponer de manera regular, primero en la Galería Fernando Vijande de Madrid y poco después en instituciones europeas y norteamericanas. Su
