Técnica: ESCULTURA SERIADA
Medida mancha: Bronce y acero cortén. Fundición a la cera perdida.
Papel: 30 x 42 x 19 cm.
Edición: 8 Ejemplares
Ref.: PLC-013
Año de Edición: 2022
Precio: 2700 €
Precio sin I.V.A.
PRESTADOR DE ALAS
Técnica: ESCULTURA SERIADA
Medida mancha: Bronce y acero cortén. Fundición a la cera perdida.
Papel: 30 x 42 x 19 cm.
Edición: 8 Ejemplares
Ref.: PLC-013
Año de Edición: 2022
Precio: 2700 €
Precio sin I.V.A.
Biogafia actualizado 2019
Toledo, 1935
Pintor, escultor y grabador español, es uno de los principales representantes del arte abstracto en España.
Conocido por su manera de encarnar la pintura matérica en sus inicios, tuvo una época en la que se sumió en la corriente del informalismo el cual fue para Canogar algo sustancial y místico, autoafirmación y autorrealización. Desembocó así en una tercera etapa más figurativa y con mayor complejidad narrativa.
Se traslada a Madrid en los años cuarenta y estudia con el pintor Daniel Vázquez Díaz. En 1957 se convierte en uno de los fundadores del grupo El Paso. Premio Nacional de Artes Plásticas por el gobierno de España en 1982 y miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 1991. En 2003 recibe la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.
En 1960 participó en la exposición de New Spanish Painting and Sculpture en el MOMA de Nueva York. En 2001 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica una exposición retrospectiva. Su obra se encuentra en museos de todo el mundo, destacando: el MOMA de Nueva York, el Reina Sofía de Madrid, el Museo Rufino Tamayo de México D.F., el Göteborg Konstmuseum de Suecia y The Israel Museum en Jerusalén.
Entre otras distinciones cabe destacar que es Miembro del Patronato del Museo Nacional de Arte contemporáneo, y que fue Vocal del Consejo de Administración del Patrimonio Nacional de Madrid entre 1984 y 1987.
??Otra de sus claves es el interés por la calidad y por las cualidades de la superficie y de la textura, marcando en esto Canogar una línea de fidelidad y congruencia con sus orígenes, o sea, con el informalismo, en el que la obra de arte vino a ser energía creativa hecha materia, relacionándose estrechamente materialidad con personalidad.??
José Marín Medina
2018
Participa en la exposición colectiva “De Goya a nuestros días” realizada con los fondos del Banco de España. Museo Mohamed VI de arte contemporáneo de Rabat (MMVI).
Se le concede la Medalla de Honor, en reconocimiento a su producción artística, entregada por la Asociación Española de Pintores y Escultores (AEPE).
Participa en la exposición ?Madrid, Musa de las Artes? Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.
Participa en la exposición colectiva With Rebellion awareness in born” Galería Mayoral (Barcelona).
Participa en la exposisción colectiva ?La poética entre abstracción y figuración.” Arte español en los años 50 y 60. Exposición itinerante. Praga; Moscú: Rossiyskaya Academia Khudozhestv, Prechistenka, 19,
Moscú; Roma: Fechas de celebración: Instituto Cervantes (Roma) – Sala Piazza Navona, 91. Roma (Italia); Lisboa y Nueva York
Exposición. – “Detengámonos: diálogos artísticos entre Jang Jae Cheol y Rafael Canogar”. Galería Han-ul del Centro Cultural Coreano (Paseo de la Castellana, 15, 28046 Madrid).
Se le concede la Medalla al Mérito Cultural Extraordinario de Castilla-La Mancha. Entregada en el Teatro Circo de Albacete.
Participa en la exposición colectiva ?París pese a todo, artistas extranjeros 1944-1968?, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Participa en la Feria internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid con diversas Galerías.
Madrid, 26 de febrero de 1937- 14 de octubre de 2018
Fue un pintor, escultor y grabador español de estilo figurativo, clave de la figuración narrativa como de la Neofiguración (o nueva figuración) española y vinculado al pop art. También dedicó parte de su tiempo a la escritura.
En 1957 obtuvo la licenciatura en Periodismo en Madrid, pero fue refugiado en París desde 1958 por causa de su antifranquismo, Arroyo cobró tardíamente protagonismo en el circuito artístico nacional, a partir de los años 1980. Actualmente, sus obras cuelgan en los más reputados museos de arte moderno españoles y extranjeros (El Museo Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Guggenheim Museum de Nueva York, Museo de Arte de Lima y Museo Rufino Tamayo de México), y su creatividad se extiende a las escenografías teatrales y las ediciones ilustradas.
Fue Premio Nacional de Artes Plásticas en 1982, año en el que más tarde el Centro Georges Pompidou, de París, le dedicaría una gran exposición retrospectiva. También fue Premio Nacional de Arte Gráfico 2007, otorgado por la Calcografía Nacional de la Real Academia de Bellas Artes. El IVAM de Valencia le dedicó una gran exposición de Obra Gráfica; así como el Museo de Bellas Artes de Bilbao con La Suite Senefelder.
Artista polifacético, estuvo alrededor de 40 años realizando decorados teatrales junto con Klaus Michael Grüber, en lugares como la Opera National de Paris, Dusseldorf de Berlín, en Milán y en el Teatro Español de Madrid y Barcelona.
´´Tras muchos años de clausura intelectual y de monacato abstracto, la pintura, por delante de las otras artes, vuelve a ser narrativa, como en el Renacimiento, y el primero en dar la alarma es el esnobísimo Eduardo Arroyo. El mundo no lo ha movido el arte de pensar sino el arte de narrar´´
Francisco Umbral
Tras su fallecimiento en octubre del 2018, como homenaje, el Jardín Botánico de Madrid organizó una exposición llamada ??El buque fantasma?? en la que se exhibían 38 obras incluyendo la última que pintó, la cual da nombre a la exposición.
Además, El Museo Reina Sofía y el Museo del Prado bajo el título ?? Eduardo Arroyo. En recuerdo?? organizaron un memorial laico, que –con intervenciones breves de artistas, ensayistas, críticos y comisarios de arte que, entretejiendo la biografía con el afecto, reconstruyen el mundo simbólico de Arroyo-. Este artista tiene un protagonismo destacado en la Colección del Museo Reina Sofía, así como en sus actuales exposiciones temporales Poéticas de la democracia. Imágenes y contraimágenes de la Transición y París pese a todo. Artistas extranjeros, 1944-1968.
Madrid, 31 de octubre de 1929- Rascafría, 7 de febrero de 2021
En 1950 se matricula en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, obteniendo el título de profesor de dibujo cuatro años más tarde. A través de una experiencia cubista, se adentra en la abstracción hacia 1953. En 1956 obtiene una beca del gobierno francés y se traslada a vivir a París. Durante este período recibe la influencia del automatismo y de la pintura matérica, que le lleva a trabajar con pasta de óleo y arena, dentro de una paleta de colores reducida a los negros, blancos y ocres. Un año más tarde, junto a Millares, Saura, Rivera, Canogar y otros, es miembro fundador del grupo El Paso. Hacia el año 1962 introduce un cuarto color, el rojo, que utiliza en estructuras y motivos predominantemente circulares, que darán paso paulatinamente en los setenta a la geometrización y plenitud del color, haciéndose evidente a finales de la década una depurada etapa de cuadros blancos.
En 1981 abandona París y se traslada a Montreal hasta 1983, año en el que fijará su residencia en Nueva York. Ha obtenido diversos galardones, entre los que destacan el Premio de la UNAM en la I Bienal de París de 1959 y el Premio David Bright en la XXX Bienal de Venecia. En 1985 es nombrado Oficial de la Orden de las Artes y las Letras de Francia. Ha expuesto continuadamente a lo largo de su trayectoria artística en galerías y espacios expositivos de España, Europa y América, tanto de manera individual como conjuntamente con el grupo El Paso.
Cuenta con obra en el Museo de Arte Moderno de Roma, Museo Guggenheim de Nueva York, Museo Nacional de Arte Moderno de París y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, entre otros.
La importancia de la obra de Luis Feito (Madrid, 1929) en el arte español de la segunda mitad del siglo XX es indiscutible?no podemos dejar de reconocer el gran avance que su obra, junto a la de otros artistas ligados a la abstracción, supuso para el por entonces anquilosado arte nacional
Elena Vozmediano
Greta Hammond (Esquel, Patagonia Argentina, 1988)
Es artista visual y Doctora en Artes, Humanidades y Educación (UCLM-España-2023), Licenciada y Profesora en Bellas Artes (UNLP-Argentina, 2007-2012), realizó el Máster en Retos de la filosofía contemporánea (UAB, España ? 2012-2013), Máster en investigación en prácticas artísticas y visuales (UCLM, España ? 2015-2016), Posgrado Internacional: Escrituras: creatividad humana y comunicación (FLACSO, Argentina, 2021). Ha participado como asistente y docente en talleres e instituciones educativas. Entre premios y becas destaca una estancia de investigación artística en la Universidad de Arte y Diseño de Laponia, Finlandia; otra de inicio a la investigación doctoral en Cuenca, España -2019-; Beca Fundación Carolina para estudios de Master-2015-, Mención de honor Certamen de Arte gráfico para jóvenes creadores, Madrid, 2021, Premio reconocimiento al artista local: pintura, Salón binacional de Artes Plásticas, Esquel, Argentina, 2019; 1º premio VIII Certamen Nacional de Grabado ex-libris -Xylon Argentina -2018, entre otros.
Fernando Verdugo nació en Sevilla en 1942.
Practica el dibujo y la pintura desde niño, y muy pronto entra en contacto con el mundo cultural que le rodea. De su formación heterodoxa recuerda con cariño los cursos de dibujo de D. Miguel Pérez Aguilera, en la Escuela de Bellas Artes santa Isabel de Hungría.
En 1966 es galardonado con el PREMIO DE PINTURA establecido por la Galería LA PASARELA, impulsora de la renovación del arte sevillano.
Después de trasladarse a Madrid, reside un año en Nueva York donde instala su taller y realiza una edición de litografías para el editor de arte neoyorquino LEÓN AMIEL.
Verdugo, siempre estimulado por los movimientos artísticos internacionales viaja a menudo a Francia, y reside nueve años en Holanda. Trabaja para la Galería de arte D'Eendt de Amsterdam, y entra en contacto con el surrealismo nórdico.
En 1982, regresa definitivamente a Madrid y reflexiona sobre las fronteras entre la abstracción y la figuración, entre la realidad y el espejismo. Verdugo alterna la pintura con los trabajos gráficos. En su taller de grabado aplica diversas técnicas para dotar de calidad matérica a su obra gráfica y experimenta con nuevas fórmulas en dicho soporte.
A partir de 1991, Verdugo se ve inmerso en un planteamiento plástico y personal que le hará rastrear en sus orígenes, u buscar las huellas de la Sevilla de la que partió, y a la que nunca dejó atrás. Su aproximación pictórica a la ciudad donde nació rescata las texturas de los muros del pasado y se mueve en un ejercicio de color y de signos icónicos hasta llegar a formulaciones de extrema síntesis tal y como lo ha señalado Juan Manuel Bonet: - pura Sevilla son también los cuadros más abstractos, más despojados, más sintéticos, aquellos donde la cal, en plan casi especialista, lo ocupa todo.
En los últimos años la pintura para Verdugo conlleva una metódica experimentación formal que le permite centrarse en la expresión de la materia pictórica por sí misma, conciliando rigor y libertad. O como escribió Rosa Olivares en la revista Lápiz con motivo de la obra de Verdugo exhibida en Arco 96:
-El trabajo de Verdugo es minucioso y se articula con un peculiar estilo de reconstrucción. La idea central es trabajar la superficie de la memoria, la superficie de las cosas que vemos, de esas caras de la tierra, de los muros que nos protegen y en los que vemos pasar el tiempo a través de sus huellas. Son los colores y los materiales de siempre, el tratamiento clásico para llegar a un lugar diferente. La práctica de esta pintura requiere un conocimiento puro y absoluto de los medios que se utilizan, de los materiales.
A partir del año 2000 toma una importancia capital la arquitectura como leif motiv y como estructura interna del cuadro.
Algunos trabajos como los presentados en May Moré en 2001 en la exposición blanco sobre blanco, incorporaban estructuras metálicas interrelacionándolas con superficies blancas y descarnadas hasta rozar la perfeccion
Madrid 1968
La artista Patricia Losada, formada en el campo de las letras, pensadora impenitente, poeta e ilustradora, hace más de una década que abrió su propia senda en el mundo de la escultura.
Sus delgados personajes de bronce no tienen género ni prejuicios, hablan del alma, de lo que permanece y es común a todos nosotros. La luz se materializa en una esfera blanca, ingrávida, portadora de lo bueno, capaz de integrar todo en ella. Una línea que se convierte en vuelo, en escalera, en soga, en vínculo hacia a esa luz... o se hace ola para elevarnos por un segundo hasta ella, o maraña que habrá que desenmarañar para liberar lo escondido.
Su obra ha sido expuesta en varios países de Europa y Asia. Ha diseñado y realizado piezas para decorados televisivos (Antena 3, Tele 5 y Cuatro), y para premios otorgados por diferentes instituciones y marcas (Loewe, Heineken, Tragsa, UCM y Pfizer, entre otras).
EXPOSICIONES COLECTIVAS
2019
Galerie Kunststücke. Munich, Alemania.
Espacio Utópica. Madrid, España.
2018
Galerie Kunststücke. Munich, Alemania.
Artevistas Gallery. Barcelona, España.
Strassacker Gallery. Hannover, Alemania.
Galería DUA2. Vigo, España.
2017
Galerie Kunststücke. Munich, Alemania.
Artevistas Gallery. Barcelona, España.
Strassacker Gallery. Süssen, Alemania.
2016
Galería Espaliú. Málaga, España.
Espai d'Art Puntoaparte. Barcelona, España.
Strassacker Gallery. Süssen, Alemania.
Artevistas Gallery. Barcelona, España.
2015
Strassacker Gallery. Stuttgart, Alemania.
Affordable Art Fair Battersea. Galería Standarte. Londres, UK.
Barnadas Huang Gallery. Singapur.
2014
Strassacker Gallery. Süssen, Alemania.
Affordable Art Fair Singapore. Barnadas Huang Gallery. Singapur.
Smelik & Stokking Galleries. Amsterdam, Holanda.
Barnadas Huang Gallery. Singapur.
Galería Juca Claret. Madrid, España.
Galería Ansorena. Madrid, España.
2013
Galería Puchol. Valencia, España.
Smelik & Stokking Galleries. La Haya, Holanda.
Galería Capa. Bruselas, Bélgica.
Galería Ansorena. Madrid, España.
Art Karlsruhe 2013. Karlsruhe, Alemania.
Galería Gaudí. Madrid, España.
2012
Galería Capa. Madrid, España.
Estampa 2012. Matadero. Madrid, España.
2011
Círculo de Bellas Artes. Madrid, España.
Espacio para el arte. Torrelodones. Madrid, España.
EXPOSICIONES INDIVIDUALES
2019 El Rincón. Cada cual que aprenda su herida. Madrid, España
2016 Sala Zurbano. Dar/Tomar. Madrid, España.
2014 Galería Capa. Dónde llegar. Madrid, España.
2013 Galería Capa. Marañas. Bruselas, Bélgica.
2012 Galería Capa. Vuelos y marañas. Madrid, España.
2010 Sala Zurbano. Si vas viene. Madrid, España.
Biogafia actualizado 2019
Toledo, 1935
Pintor, escultor y grabador español, es uno de los principales representantes del arte abstracto en España.
Conocido por su manera de encarnar la pintura matérica en sus inicios, tuvo una época en la que se sumió en la corriente del informalismo el cual fue para Canogar algo sustancial y místico, autoafirmación y autorrealización. Desembocó así en una tercera etapa más figurativa y con mayor complejidad narrativa.
Se traslada a Madrid en los años cuarenta y estudia con el pintor Daniel Vázquez Díaz. En 1957 se convierte en uno de los fundadores del grupo El Paso. Premio Nacional de Artes Plásticas por el gobierno de España en 1982 y miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 1991. En 2003 recibe la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.
En 1960 participó en la exposición de New Spanish Painting and Sculpture en el MOMA de Nueva York. En 2001 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica una exposición retrospectiva. Su obra se encuentra en museos de todo el mundo, destacando: el MOMA de Nueva York, el Reina Sofía de Madrid, el Museo Rufino Tamayo de México D.F., el Göteborg Konstmuseum de Suecia y The Israel Museum en Jerusalén.
Entre otras distinciones cabe destacar que es Miembro del Patronato del Museo Nacional de Arte contemporáneo, y que fue Vocal del Consejo de Administración del Patrimonio Nacional de Madrid entre 1984 y 1987.
Otra de sus claves es el interés por la calidad y por las cualidades de la superficie y de la textura, marcando en esto Canogar una línea de fidelidad y congruencia con sus orígenes, o sea, con el informalismo, en el que la obra de arte vino a ser energía creativa hecha materia, relacionándose estrechamente materialidad con personalidad.
José Marín Medina
2018
Participa en la exposición colectiva “De Goya a nuestros días” realizada con los fondos del Banco de España. Museo Mohamed VI de arte contemporáneo de Rabat (MMVI).
Se le concede la Medalla de Honor, en reconocimiento a su producción artística, entregada por la Asociación Española de Pintores y Escultores (AEPE).
Participa en la exposición ?Madrid, Musa de las Artes? Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.
Participa en la exposición colectiva With Rebellion awareness in born” Galería Mayoral (Barcelona).
Participa en la exposisción colectiva La poética entre abstracción y figuración.” Arte español en los años 50 y 60. Exposición itinerante. Praga; Moscú: Rossiyskaya Academia Khudozhestv, Prechistenka, 19,
Moscú; Roma: Fechas de celebración: Instituto Cervantes (Roma) – Sala Piazza Navona, 91. Roma (Italia); Lisboa y Nueva York
Exposición. – “Detengámonos: diálogos artísticos entre Jang Jae Cheol y Rafael Canogar”. Galería Han-ul del Centro Cultural Coreano (Paseo de la Castellana, 15, 28046 Madrid).
Se le concede la Medalla al Mérito Cultural Extraordinario de Castilla-La Mancha. Entregada en el Teatro Circo de Albacete.
Participa en la exposición colectiva París pese a todo, artistas extranjeros 1944-1968, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Participa en la Feria internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid con diversas Galerías.
https://www.tomasbartolome.com/eduardo-arroyo-el-destino-del-pintor-es-serlo-hasta-el-final
Miguel Villarino nació en Morales del Rey, Zamora, en 1959
Comienza estudios de Ingeniería y Filosofía, que abandona para dedicarse a la pintura. Estudios en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Madrid.
Comienza a grabar de una forma autodidacta, entrando posteriormente en el taller del maestro grabador Theo Dietrich, en Madrid, y en la Escuela Nacional de Artes Gráficas. En 1984 crea su propio taller de grabado.
En 1986 funda con Tomás Pérez Manzanares la revista de arte Cyan. En 1989 crea M más M Ediciones. En 1990 funda la revista de grabado y poesía ESTACION CENTRAL, y el centro CRUCE, ARTE Y PENSAMIENTO.
Ha impartido cursos y seminarios de grabado en el Centro Español de Arte Seriado, Museo del Grabado Español Contemporáneo, Ciudad de las Artes de Alcorcón, Fundación Cies, etc. y colaborado con talleres de Francia, Italia, Alemania, Holanda, Bélgica.
Nuria Vidal Madrid, 1.967.
Licenciada en Bellas Artes en 1991 por la Universidad Complutense de Madrid, Vidal completó un doctorado en Imagen representada entre 1992 y 1995 y obtuvo la Suficiencia Investigadora en 1996. Asistió al estudio del pintor José Vento Ruiz y participó en cursos de litografía, fotoserigrafía y fotograbado en la Fundación Pilar i Joan Miró de Mallorca. En 2019, realizó un curso de Art Thinking para docentes en el Centro de Arte La Regenta del Gobierno de Canarias.
Esta artista artista destacada en pintura y grabado, recibió diversas becas que impulsaron su carrera. En 1991, viajó a Leeds con una Beca Erasmus para estudiar en el Centre for the Arts and Contemporary Studies, donde comenzó a desarrollar su obra gráfica. En 1996, obtuvo la mención a un artista novel del Premio Nacional de Calcografía con “Castillos en el aire”, destacándose en el uso del color y la impresión.
En 2000, ganó la beca de la Real Academia de España en Roma, donde realizó proyectos sobre geometría y color inspirados en la ciudad. En 2003, fue becaria del Colegio de España en París, creando obras sobre lino que reflejan la luz y las brumas parisinas.
Entre sus becas destacadas están la del Ministerio de Asuntos Exteriores para la Academia Internacional de Valonia en 1990 y la beca Erasmus en 1991. Fue becaria de la Real Academia de España en Roma entre 1999 y 2000 y del Colegio de España en París en 2003.
Ha sido premiada con el Premio Nacional de Grabado a un Artista Novel en 1996, el accésit II Premio de Grabado Carmen Arocena en 1997 y el Premio del Instituto de Bellas Artes de Tetuán en 2001. También ganó el primer y tercer premio en el X Concurso de Pintura del Parque Nacional de Timanfaya en 2008 y fue seleccionada por la revista masdearte como una de las mejores propuestas artísticas de Art Madrid en 2016. En 2022-2023, fue seleccionada para una exposición individual dentro de la programación de los espacios de arte del Gobierno de Canarias.
Entre sus exposiciones más importantes están el Salón Internacional de Grabado Estampa en Madrid, el Mes de la Estampa en París en 1998, y la exposición de becarios de la Academia de España en Roma y la Real Academia de San Fernando en 2000. También ha participado en exposiciones en la Galería Rayuela, el Instituto Cervantes de París y la Fundación ArtSur, entre otros.
Su obra forma parte de colecciones de instituciones como la Comunidad de Madrid, la Fundación Mapfre, el Museo de Obra Gráfica del Cabildo Insular de La Palma, la Dirección General de la Mujer, el Congreso de los Diputados, el Colegio de España en París, el Banco de Santander, la Universidad Carlos III de Madrid y la Fundación Pilar i Joan Miró de Mallorca.
Antonio Saura (1930-1998)
Nace en Huesca y comienza a pintar y a escribir de forma autodidacta, durante una larga enfermedad juvenil. Entre 1948 y 1950 realiza varias pinturas en papel y cartón de carácter onírico y experimental: las series Constelaciones, Pinturas muertas y Rayogramas, que presenta en su primera muestra individual de la sala Libros de Zaragoza. Durante estos años entre Cuenca y Madrid, donde además de exponer sus obras, organiza las muestras de arte de vanguardia. Tendencias 2 y Arte Fantástico. De 1953 a 1955 se instala en París, donde participa en las actividades del grupo surrealista. Michel Tapié se interesa por su obra y le introduce en la Galería Stadler, en la que realiza numerosas exposiciones. Desde entonces la capital francesa se convierte en uno de sus lugares de residencia habitual.
En 1957 funda en Madrid el grupo El Paso, junto a los críticos Manuel Conde y José Ayllón y los artistas Rafael Canogar, Luis Feito, Juana Francés, Manolo Millares, Manuel Rivera, Antonio Suárez, que es uno de los primeros movimientos realmente vanguardistas de la España de la posguerra, propugna un nuevo lenguaje gestual cercano al informalismo. Su Serie castellana (1954) le convierte en uno de los primeros artistas españoles en utilizar el lenguaje del expresionismo abstracto, y supone el inicio de sus series de estructura figurativa, que serían el punto de arranque de su obra de madurez. Sus Damas, Retratos imaginarios y Crucifixiones, de esta época, están basadas en arquetipos figurativos y con un cierto carácter satírico y realizado con procedimientos expresionistas y una reducida gama de color (blanco y negro).
En 1958 comienza a trabajar en obra gráfica y en 1960 forma parte de Estampa Popular. En 1964 deja de pintar sobre tela por un tiempo, y se dedica por entero a la obra en papel. Utiliza este soporte en sus series Superposiciones, Transformaciones y Grandes Montajes y en los grandes collages sobre paneles de madera, Rompecabezas y Trampantojos. De nuevo en óleo, realiza la serie Dora Maar 1983 y un conjunto de grandes pinturas, como Iniciation a la creation (1985). En 1987 pinta un gran mural en el techo de la nueva sede de la Diputación de Huesca, Elegía, que marca una nueva etapa más colorista en su obra. Con una paleta muy reducida (blanco, negro y rojo preferentemente) su obra se basa en la representación de figuras muchas veces simbólicas (Desde Cristo hasta Brigitte Bardot) que aparecen casi irreconocibles, deformadas por rasgos violentos y trazos distorsionados en un absoluto desprecio por las normas de la representación figurativa tradicional. Ha ilustrado con sus dibujos y grabados numeroso libros como Asedio de José Miguel Ullán (1980), El arte de birlibirloque de José Bergamín (1982), Emblemas de José Ángel Valente y, últimamente, El Quijote y La muerte y la nada de Jacques Chesses. Ha sido galardonado, entre otros, con El premio Guggenheim (1960), el Premio Carnegie (1964), el título de Caballero de las Artes y Las Letras del Ministerio de Cultura francés (1981), la Medalla de Oro de la Ciudad del Ayuntamiento de Huesca (1982). Desde su juventud compagina su labor creadora con la teórica, escribiendo numerosos textos, artículos y ensayos.
Madrid, 1946.
Pintora y grabadora. Formada en la Escuela de Bellas Artes de Madrid. El lenguaje de sus obras es heredado del cómic y de carácter pop. Ha colaborado como ilustradora en publicaciones y diarios como El País y El Mundo.
En su trayectoria profesional cuenta con exposiciones individuales y colectivas por España, Francia, Holanda, India, Alemania, Suiza, Estado Unidos, Egipto e Italia. Su obra figura en las colecciones de Calcografía Nacional, Madrid - Museo de Bellas Artes de Santander - Museo Municipal de Madrid y Biblioteca Nacional, entre otras instituciones.
Santurce, 1938 - Madrid, 2003
Consagrado artista español, Eduardo Úrculo es uno de los principales exponentes de la pintura pop en España. Trabajo en diversos registros desde el expresionismo hasta el neocubismo e hizo de la maleta y el sombrero sus dos grandes iconos.
Inicio su formación en Asturias y pronto viajo a Madrid para continuar sus estudios, Vivió en Paris y viajo por distintas ciudades europeas.
Durante la década de los setenta desarrolla sus trabajos con aerógrafo. Inicio sus obras enmarcadas en pop art y comenzó la época erótica con sus cotizados femeninos rebosantes de barroquismo y colorido.
En los ochenta su obra se desplazo hacia la narrativa desarrollando un trabajo a partir de motivos como los sombreros, el artista de espaldas o los viajes que constantemente quedan plasmados, tanto en pintura como escultura, con la figura de la maleta.
Luis Sanz (Madrid, 1976) Técnico superior de Artes Plásticas, especialista en Grabado y Estampación. Su obra fusiona gráfica, arte urbano y pintura.
En 1996 expone por primera vez en la Galería Brita Prinz de Madrid. Desde esos inicios, su obra se ha expuesto en múltiples galerías y espacios expositivos de España y en ferias como JustMad, Art Madrid y Art Room Fair. Su obra forma parte de colecciones de arte como la Fundación CIEC, la Fundación Juan March, el Museo Antonio López Torres de Ciudad Real o el Museo Nacional de Teipei (Taiwán).
Ha desarrollado su carrera artística en paralelo como asistente en el taller de Joaquín Capa y María Luisa Sanz. Desde el 2018 dirige el Taller ink DELICIUS , espacio con el que participa dentro del proyecto de residencias artísticas internacionales R.A.R.O.
Sobre la obra representada en la Galería Orellana-5:
El nacimiento de Luis Sanz, el Mítico como lo llama Javier Puebla, está registrado un 1 de marzo. Su mes y día de nacimiento, resulta la 1ª aproximación de (pi): 3,1. Emma Haruka, ingeniera en software de Google logró determinar el 14/03/2019 más cifras decimales de pi y es así que el día de nacimiento de pi se considera 0314 y algunos festejan a la hora 1:59 para sumar más decimales de precisión: 3,14159
Entre casualidades y coincidencias salieron a la luz las 28 primeras obras de la serie piEnsa, de Luis Sanz.
Arcos, cuerdas, rectas tangentes y secantes, círculos y circunferencias, curvas que asemejan sinusoides; salen a borbotones de la mente de Luis Sanz como una obsesión irracional para plasmarse en las obras de su serie 3,14 Ensa!
Me aventuro a asegurar que la cantidad que conformará los sucesivos grupos de la serie, no igualará la cantidad de dígitos de la parte decimal de pi, aunque cada una de sus obras será única e irrepetible como la secuencia de decimales de pi...; y así como algunos matemáticos creen que si se lograse encontrar un patrón de pi, la humanidad daría un paso enorme en la comprensión del Universo; me convenzo de que al buscar un patrón en cada papel de esta serie, me invaden los colores, las formas, la pasión, la alegría que sólo se halla al intentar comprender el alma humana.
Parafraseando a Puebla, Luis Sanz, resulta el mejor Dj Pintor que nunca he visto; la serie continúa, lo racional convive con lo irracional y se materializa abriéndose paso en esta mítica producción.
Julia Moreno (Matemática)
Enero, 2023.
Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923 - 1985) es el artista alicantino más internacionalmente conocido y uno de los artistas españoles más relevantes de la segunda mitad del siglo XX. Su obra siempre en torno a la abstracción geométrica algunas veces cinética y otras más lírica y paisajista, muestra una trayectoria artística de una coherencia impecable. Sus obras son fruto de un trabajo riguroso y continuado sobre la forma geométrica, la ilusión óptica y la sensación de movimiento, aunque poseen un lirismo muy singular y una gran belleza formal.
Sempere es protagonista del advenimiento de la modernidad en un país difícil y atrasado. Ese compromiso con el arte y la cultura democrática y su profunda vinculación con Alicante, le impulsaron a donar su colección de arte a la ciudad para crear, en 1977, uno de los primeros museos de arte contemporáneo de este país en un gesto de gran generosidad. Hoy, el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante recoge sus colecciones.
Pintor y artista gráfico español nació el 23 de abril de 1926 en Madrid, y murió el 26 de mayo de 1996.
Gerardo Rueda fue educado en el Liceo Francés de su ciudad natal y comenzó los estudios de pintura clásica y en 1949 exponiendo por primera vez en la capital española.
A principios de los años 50 presentó sus primeros collages y dibujos abstractos. Sus primeras exposiciones individuales las realizó en 1958, en Barcelona. A partir de entonces participó en más de 200 exposiciones colectivas, siendo una de las más relevantes la Muestra de Arte Nuevo-MAN 64, en el X Salón de Mayo de Barcelona, donde en 1966 obtuvo el Premio Hermanos Serra.
A su vez, participó en más de 60 muestras individuales en las más prestigiosas salas del mundo. En 1960 representó a España en la Bienal de Venecia.
Entre 1961 y 1964, Rueda realizó toda una serie de obras en las que como presencia constante tuvo el influjo del Espacialismo, reflejada a través del protagonismo absoluto del color y el relieve.
En 1995 fue nombrado académico de la Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 1996 realizó una exposición interesante en el IVAM de Valencia, la cual recorrió distintos museos americanos, y finalizó en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Realizó numerosas esculturas, relieves y encargos monumentales, como el relieve mural para el Museo de Escultura al Aire Libre de la Castellana (Madrid), las Vidrieras de la Catedral de Cuenca, tituladas De la Tierra al Paraíso (1989-1992), y las puertas de acceso al Pabellón de España en la Exposición Universal de Sevilla.
En su trayectoria artística participó de los conceptos cubistas y evolucionó hacia la abstracción constructivista, en donde las pinturas se caracterizan por el orden y el equilibrio. Fue uno de los primeros en introducir el informalismo en España. Además, fue el creador, junto a Fernando Zóbel, del Museo de Arte Abstracto de Cuenca.
Madrid, 1963.
Fotógrafa. Comenzó haciendo fotografía en blanco y negro a los transeúntes madrileños de los años ochenta y evoluciono hacia sus particulares escenarios en color. En su trayectoria profesional destaca la colaboración con publicaciones nacionales como el Magazine del diario El Mundo e internacional.
Ha realizado exposiciones individuales en galerías de prestigio en Madrid, ámbito nacional y dentro del Festival PHOTOESPAÑA. En colectivo ha mostrado su obra en ciudades como Paris, Buenos Aires, Tánger y Roma. Presente en ferias internacionales de arte contemporáneo como ARCO, Madrid y ARTMIAMI. Su obra se encuentra en las siguientes colecciones: Centro Nacional de Arte Contemporáneo George Pompidou, París Comunidad de Madrid Fundación El Monte, Sevilla y Centro Municipal de las Artes de Alcorcón, Madrid, entre otras.
José Ignacio Rincón nació en Sevilla, en 1959. Realizó sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de
Madrid, con la especialidad de grabado. Su aprendizaje de grabado se ha perfeccionado con cursos en los centros Nicolás Salmerón y Círculo de Bellas Artes, ambos en Madrid.
1929 Nace en Madrid.
1936 Pasa los primeros meses de la guerra en Madrid. Lo trasladan luego a Bolarque (Guadalajara), y por último al pueblo de su madre, Córcoles, en la misma provincia.
1946 Clases de dibujo con el pintor y grabador Eduardo Navarro.
1947 Clases de pintura con Eduardo Peña.
1949 Cursa estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde recibirá el Premio Extraordinario Carmen del Río, el Premio Martínez Cubells y la beca de paisaje de El Paular y Segovia.
1954 Trabaja en el estudio de Eduardo Chicharro, pintor y poeta. Termina la carrera de Bellas Artes. Durante el viaje de fin de carrera a París, conoce a Amalia Avia, con la que se casa en 1960.
1955 Expone en las Salas de la Dirección de Bellas Artes junto con el pintor Antonio López García y los escultores Julio y Francisco López Hernández.
Primera exposición individual en la galería Dintel, de Santander. Primeras obras no figurativas.
Recibe una beca del gobierno francés y reside en París hasta finales de 1956.
1956 Realiza el servicio militar en Barcelona.
1957 Primera exposición individual en Madrid, en la galería Fernando Fe. Pinturas con mucha materia en las que empieza a aparecer la madera vista.
1958 Exposición personal en el Ateneo de Madrid. Primeras obras en madera tallada.
1959 A partir de este año participa en las más importantes exposiciones de pintura española de todo el mundo.
Sala en la Bienal de São Paulo.
Firma la exclusiva para América Latina con la galería Bonino de Buenos Aires, 1960-1964.
1960 Participa en la XXX Bienal de Venecia.
El 15 de enero se casa con Amalia Avia. Ese mismo año nace su hijo Lucio.
Se le concede el Primer Premio Neblí de Pintura.
1961 Primeras exposiciones individuales en el extranjer galería Bonino, de Buenos Aires, y Joachim Gallery, de Chicago.
Realiza la carpeta de xilografías titulada Los Madriles, comienzo de una larga y reconocida trayectoria como grabador.
1962 Por concurso nacional, realiza el mural de 620 m2 de la basílica de Aránzazu (Guipúzcoa), en cuya realización colaboran el escultor Julio López Hernández y el pintor Joaquín Ramos.
Exposición en la galería Staempfli, Nueva York.
Nace su hijo Nicolás.
1963 Nace su hijo Diego.
1964 Se inaugura la galería Juana Mordó, a cuyo grupo de pintores pertenece desde su fundación. Realiza la primera individual de la galería.
Medalla de oro en la Bienal de Arte Sacro de Salzburgo por el mural de Aránzazu y el tríptico Gólgota.
1965 Hace un mural en el Hostal de San Marcos de León de 175 m2, colaborando en la realización el escultor Julio López Hernández y el pintor Jaime Burguillos.
1966 Fallece su padre.
1967 Viaja a Cuba con motivo de su exposición en la Casa de las Américas.
Nace su hijo Rodrigo.
1969 Realiza un mural en el aeropuerto de Mahón.
1972 Participa en la Documenta de Kassel.
1973 Participa en la feria de Basilea, donde repetirá en los años 1976, 1979 y 1989.
1975 Se estrena en Royan y París la obra Tiempo para espacios, de Cristóbal Halffter, inspirada en las obras de Eduardo Chillida, Lucio Muñoz, Manuel Rivera y Eduardo Sempere.
1982 Se le concede el Primer Premio de Grabado en la Feria de Grabado de Arte Gráfico Arteder, Bilbao.
Realiza un mural en el aeropuerto de Barajas.
1983 Premio Nacional de Artes Plásticas.
1986 Realiza un techo para la Casa del Cordón de Burgos.
1988 Se presenta una gran exposición antológica sobre su obra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y en la Fundación Gulbenkian de Lisboa.
1989 Se edita la monografía Lucio Muñoz, por Lerner & Lerner, Madrid, en 1989; y por Rizzoli, Nueva York
Jacinto Moros (Cetina, Zaragoza, 1959). Se traslada a Madrid en 1984 donde entra en contacto con el mundo artístico de la ciudad. Hasta 2002 pasa largas estancias en Nueva York donde se hace una sólida reputación y donde galerías siguen exponiendo sus obras. Abre mercado en Alemania y sus trabajos están hoy distribuidos en España en algunas galerías muy seleccionadas. Reside en la actualidad en Madrid
Las obras de Jacinto Moros generalmente tienen una base o estructura simple: la línea.
No importa en qué medio se exprese el artista, ya que sus esculturas de plástico, madera o acero y sus trabajos en papel trazan un paisaje en el espacio que puede leerse como un poema escultórico.
Con su estética depurada, el artista ha desarrollado una importante creación de obra gráfica. Utilizando la técnica del gofrado para aportar un componente de tridimensionalidad y no perder el sentido espacial, crea cuerpos que se construyen con volúmenes en el papel.
Algunos críticos han descrito la obra de Moros como una mezcla de minimalismo y barroco, y este pensamiento también puede aplicarse a sus trabajos en papel: bucles y lazos juguetones estiran y distorsionan el terreno pictórico blanco-monocromo. Solo con la ayuda de la luz y la sombra, Moros cita la alegría barroca mencionada en una materialidad esencial y poética.
Barcelona, 1961. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Sigue la profesión de sus padres, artistas y profesores de arte, con quienes colabora en proyectos y exposiciones conjuntas. Se especializa en grabado y serigrafía original, siendo asesora técnica y estampadora de la obra de cotizados artistas en su propio taller Binomi , que funda en Barcelona en 1984.
Artista polifacética, además de investigar con el grabado y el monotipo, utiliza la pintura sobre variados soportes, el dibujo, la cerámica y el diseño para dar forma a sus obras, obteniendo premios en diferentes certámenes.
Realiza esculturas e instalaciones singulares y obres efímeras de Land Art.
Participa en la European Kunst Exhibition del 2003, como artista invitada.
En el curso de su recorrido vital, ha presentado más de 60 exposiciones en el país, Europa, América y Japón.
Desde 1993 vive y establece su actividad entre Barcelona y Japón, preparando exposiciones y dando conferencias. Actualmente, también colabora con artistas, galerías e instituciones japonesas, organizando los festivales Internacionales de arte en Okayama, Japón.
Ricardo Kocî nació en Praga en 1954.
Sus primeros años de aprendizaje transcurrieron en USA donde estudió Arte en North Texas State University, especializándose en escultura, y en el taller del escultor Tracy Guthrie. En 1976 llegó a España con una beca del Institute of Hispanic Society y realizó cursos en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, en escuelas de Artes y Oficios y en el Círculo de Bellas Artes.
Nace en Jaén en 1943.
Cursa paralelamente estudios en la Escuela de Bellas Artes y Arquitectura de Madrid, terminando esta última en 1968.
En diferentes períodos ha trabajado sucesivamente la escultura, la arquitectura y, desde 1981, la pintura, como su principal medio expresivo, a partir del expresionismo abstracto. Viaja a Estados Unidos.
Desde 1989 pasa largos períodos trabajando en su estudio de Asilah, Marruecos, y viaja con asiduidad por el norte de África.
Durante 1992-93 desarrolla un estudio sobre la relación Arquitectura-Arte, que culmina con la realización d una Intervención-Mural de 35 x 9metros en la Plaza Elíptica de Madrid. Posteriormente, en 1996, organiza un ciclo de conferencias en Cruce sobre este mismo tema.
En la actualidad trabaja ahondando en los aspectos simbólicos de la pintura abstracta.
Desde 1998 es miembro activo de la asociación MED-OCC que lleva a cabo programas de intercambio cultural con Marruecos. Organiza en Tánger el Encuentro El largo Estrecho con la participación de artistas y críticos de las dos orillas, como Canogar, Verdugo, Quazzani, Bellamine, J.M. Bonet, etc.
Entre el 2000 y 2005 organiza las Exposiciones Itinerantes Re.encuentro - Tawassul y Afinidades entre Marruecos y España, con coloquios y mesas redondas en las principales ciudades : Casablanca, Rabat, Sevilla, Madrid, etc.
(Zaragoza, 1949 - Alemania, 2003)
Pintor, grabador, escultor y escritor autodidacta aunque también se debe destacar sus incursiones en el teatro, la fotografía, la cerámica y sus trabajos en carteles, libros, objetos y otros proyectos.
Realizó su primera exposición individual a los dieciocho años en Zaragoza. Poco después, Víctor Mira se traslada a Madrid donde en 1973 presenta una exposición bajo el título. Manías del sexo. Dos años más tarde y tras residir en Barcelona, se traslada a Heildelberg (Alemania). En 1977 publicó el libro. Estática kebrada aragonesa y dos años más tarde, el libro de poemas. El bienestar de los demonios.
Su obra de gran carga expresionista en la que cohabitan figuración y primitivismo es mostrada en sus primeras exposiciones en Madrid y Munich ese mismo año.
En la década de los ochenta, su obra se centra en la temática de naturalezas muertas donde el protagonista es la calavera sobre un plato o mesa. En 1985 Víctor Mira comienza la serie. Estilitas. A partir de entonces su actividad expositiva es muy intensa, mostrando su obra por salas y galerías de prácticamente todo el mundo.
En 1988 cambia su residencia a Munich. Son famosos sus ciclos. El monje junto al mar bien temperado, Imágenes Binoculares, Interiores catalanes con tomate, La máquina del gorjeo de Paul Klee, Las Señoritas de Avignon, Antihéroes e Hilaturas, entre otras.
Su trayectoria tanto nacional como internacional se refleja en la multitud de museos y colecciones privadas y estatales que poseen obra del artista. Así cabe destacar el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, los Museos de Bellas Artes de Vitoria y Zaragoza, la colección Argentaria, etc.
Muere con tan sólo 54 años victima de un suicidio el 18 de noviembre de 2003 en Alemania, arrollado por un tranvía a pocos kilómetros de la localidad de Breitbrunn, próxima a la ciudad de Munich.
Uno de los últimos reconocimientos públicos de Víctor Mira ha sido en el año 2003 cuando es elegido como el mejor artista de la Feria de Arco.
Nace el 28 de julio de 1949 en Maasbree, Holanda. Estudios en el Ateliers 63, Haarlem y en la Jan van Eyck Akademie en Maastricht, Holanda.
1971-76 Estancias en Francia, Portugal, Noruega, Islandia y México. Vive y trabaja en México desde 1978.
1976 Stipendium del Ministerio de Cultura en Holanda.
1977 Profesor huésped en la Akademie voor Kunst en Industrie en Enschede, Holanda.1981Profesor huésped en el Centro de Investigación y Experimentación Plástica en México D.F.1983Artista huésped en la Jan van Eyck Akademie en Maastricht, Holanda.1990Estancia en Kenya;
1990-91 Dos escenografías para la Compañía Nacional de Teatro de México. Gira de exposiciones por países africanos organizada por la Secretaría de Relaciones Exteriores.1991Estancia en Egipto.
1992 Impresión de Facsimilae. Producción de la exposición México, un libro abierto en Frankfurt, Alemania. The Golden Bough, libro de autor con poemas de Seamus Heaney y serigrafías de Jan Hendrix.
1993 Producción de la exposición México, un libro abierto en Bogotá, Colombia.1994Diseño gráfico del Museo de Sitio de Montealbán, Oaxaca.
1996 Estancia en China. Estancia en Australia.
1997 Escenografía para el monólogo Keisho/Maquillaje, México D.F.
1998 Maestro del Curso de especialización en serigrafía monumental en el Centro Nacional de las Artes, México D.F. Estancia en Turquía.
1999 The Light of the Leaves, libro de autor con poemas de Seamus Heaney y serigrafías de Jan Hendrix. Estancia en Irlanda. Estancia en Villa Serbelloni, The Rockefeller Foundation, Italia.
1994-1999 Co-edición y estampación de obra con artistas mexicanos.
2000 Publica el catálogo Bitácora de Viaje, que reúne las imágenes del itinerario, que el artista ha seguido en diferentes momentos y latitudes del orbe, en las que distintos países, días y jornadas son relatados por composiciones propias de un peregrino que ha hecho de los espacios sucesivos, y de la simultaneidad de los hechos, una representación directa de su experiencia sensible en el mundo. Consta de 191 páginas. Contiene fotografías en blanco y negro, e incluye textos de Antonio Saborit y Cuauhtémoc Medina en español e inglés.
2001 Artista residente en el Bundanon Trust, Australia
2008 Premio internacional a las aportaciones e innovaciones en arte gráfico que forma parte del Premio Nacional de Arte Gráfico 2008, convocado por la Calcografía Nacional.
.Es miembro del Sistema Nacional de Creadores desde 1994
Alicante, 1965.
Desde 1985 reside en Madrid.
Técnico superior de Artes Plásticas, especialista en Grabado y Estampación.
Artista multidisciplinar, a lo largo de su carrera ha empleado en sus trabajos instalación, dibujo, obra gráfica, fotografía y pintura.
Ha sido galardonada con los premios: "Bienal Iberoamericana de Gráfica de Cáceres", "Colegio de España en París", "Royal Premier" de Málaga, "Carmen Arozena" del Cabildo Insular de la Palma, "Pilar Banús" y "Teresa Toral" de Marbella, "Rafael Canogar" y "Luis García Ochoa" de Pinto, "Juan Luis Vasallo" de Cádiz, "José Caballero" de Las Rozas, "Villa de Mislata", "San Lorenzo del Escorial", "Diputación de Alicante", Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, y las "Ayudas a la producción de artes plásticas de la Comunidad de Madrid" y las "Ayudas a la promoción de las Artes Ministerio de Cultura"? entre otros.
Ha realizado residencias y talleres de investigación sobre arte actual, tanto como nacionales como internacionales: Taller experimental de La Habana; Lower East Side Workshop Printmakers NY; London Print Studio de Londres; Kulturwek Bethanian de Berlín; Círculo de Bellas artes de Madrid; Fundación Miro de Mallorca; Museo de Electrografía de Cuenca; Casa Encendida y El Ranchito Matadero de Madrid.
Ha realizado exposiciones individuales en galerías privadas e instituciones como la Sala Brocense de Cáceres, el Colegio de España en París, el Palacio Pimentel en Valladolid, la Casa-Fuerte Bezmiliana de Málaga, Centro de Arte Tomas y Valiente de Fuenlabrada en Madrid, la Sala La Lonja en Alicante, el Museo del Carmen de Valencia o el Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert.
Su obra forma parte de las colecciones de diferentes museos e instituciones: Colegio de España en París, Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella, Taller experimental de Gráfica de la La Habana, Fundación Pilar y Joan Miro de Mallorca, Gobierno de Cantabria, Dirección Gral. De la Mujer de la Comunidad de Madrid, Diputación de Alicante, Cabildo Canario, Comunidad de Madrid, Caja de Madrid (BANKIA), Congreso de los Diputados, Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, Fundación MAPFRE, Fundación Repsol, Biblioteca Nacional de España, Calcografía Nacional, Ministerio de Justicia, Banco de Santander,Asociación Española de Banca, Banco Bilbao Vizcaya Argentaria, Lower East Side Workshop NY y ayuntamientos de Madrid, Alicante, Mislata, Valencia, Pinto, las Rozas y Cádiz.
Carlos González Villar nació en La Plata, Argentina, 1949.
Realizó sus estudios de pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata y de grabado en el Taller Viejo Molino, en la misma ciudad.
Entre los años 1970 y 1976 alterna su residencia entre España y Argentina. A partir de esa fecha fija su domicilio en la ciudad de Orense, donde instala su taller de grabado y serigrafía.
Ha realizado trabajos de diseño gráfico y como docente en numerosos cursos de técnicas calcográficas y serigrafía.
Cabe mencionar sus proyectos de ambientación en la Sala de Geología del Museo de Ciencias Naturales de la Ciudad de La Plata entre los años 1973 y 1975. En el ámbito de la docencia, su colaboración con la Editorial UVE de Madrid en 1979. Curso de serigrafía en la Escuela Taller AURIA de Orense en 1991, de grabado calcográfico en el taller ESTAMPERIA QUITEÑA en Ecuador, contratado por Calcografía Nacional, en 1998; cursos de iniciación al grabado en CAIXA NOVA, años 1998, 2000 y 2002; curso de grabado calcográfico en la Fundación C.I.E.C. de Betanzos, La Coruña, en el año 2000, etc.
Participa como conferenciante sobre el tema del grabado y las ediciones de arte, invitado por diversas Universidades y Museos.
En su taller se realizan ediciones de obra gráfica de artistas españoles y extranjeros.
Luis Gordillo. Sevilla, 1934.
Licenciado en Derecho y después de asistir dos años a la Escuela de Bellas Artes de Sevilla en 1958 viaja a París. Allí pinta sus primeras obras pertenecientes al informalismo. Pronto descubre el arte pop y la figuración. En 1967 forma parte del grupo promovido por Juan Antonio Aguirre llamado Nueva Figuración. En 1981 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 2007 el Premio Velázquez de Artes Plásticas, Ministerio de Cultura Español. Investido Doctor Honoris Causa por la Universidad de Castilla -La Mancha en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, 2008.
Entre su larga trayectoria cabe destacar la exposición retrospectiva organizada por el IVAM, Valencia en 1993 - Luis Gordillo 1965/2006 organizada en el Museo de Arte de Zapopan, México y la antológica de su obra pictórica y fotográfica que le dedicó en 2007 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, en la que el mismo artista se hizo cargo del diseño de la exposición.
Su obra es reconocida internacionalmente, con piezas en numerosos museos de arte tanto en Europa como en Estados Unidos.
ACTUALIZADO 2020
Alejandro Corujeira nació en Buenos Aires en 1961.
En 1986 finaliza sus estudios en la escuela de Bellas Artes de Buenos Aires. Se asoció a la denominada Escuela del Sur junto a otros artistas; con ellos llegó a España para la exposición en el Museo Nacional Reina Sofía, en 1991. Desde esta fecha este pintor de padre gallego y nacimiento porteño reside en Madrid.
Las raíces indígenas del Río de la Plata con la influencia constructivista del artista Torres García están presentes en la obra de Corujeira. Pero el artista desarrolla un lenguaje propio en la que hace convivir lo intuitivo y lo racional por medio del tratamiento sutil del color y la geometría.
La pintura de Corujeira está hecha de música y poesía. Apenas unas líneas -que se han ido haciendo cada vez más libres- sobre un lienzo con fondos llenos de transparencias.
«Libre, sustancialmente libre, Corujeira consigue emocionarnos con mínimos elementos. No es -no ha sido nunca, escribe Juan Manuel Bonet, antiguo director del Ivam y del Reina Sofía- minimalista, sino que hoy es sencillamente eso, un pintor esencial y contemplativo».
A partir de 1991, Alejandro Corujeira comenzó su andadura por exposiciones nacionales e internacionales, mostrando la evolución de su obra. Participó en importantes proyectos individuales y colectivos: Sueños Geométricos en San Sebastián, 1993 y en Madrid, 1994; Líricos de Fin de Siglo en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, en 1994; Salón de los 16 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en 1996; Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber, Caracas, en 1996; Signos y Símbolos en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, en 1997.
Después de estos comienzos, sus muestras han sido acogidas también en la galería Dialogue de París (1998), el Espacio Uno del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2002), el Instituto Valenciano de Arte Moderno (2006), el Museo Barjola de Gijón (2010), la galería Alejandra von Hartz de Miami (2013), o la Casa Iberoamérica de Cádiz (2014).
La obra del artista forma parte de importantes colecciones: Museo Nacional Reina Sofía, Madrid; Museo de Arte Contemporáneo de Panamá; Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber de Caracas, IVAM de Valencia y Academia Española de Historia, Arqueología y Bellas Artes de Roma.
Su trayectoria artística ha sido numerosas veces premiada destacando la Beca de la Academia española en Roma, -1996-1997; y el Premio al Artista Joven del Año 1997, otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte, en Buenos Aires. También cuenta con galardones como el Premio Todisa (2002) y el Premio de Artes Plásticas ?Obra Abierta? (2011).
Como actividad más reciente, ha estado presente en la Estampa Contemporary art Fair de Madrid en el 2017, en la Bienal De Ibirapuera y en la Bienal de São Paulo en 2019.
Tras más de 10 años sin exponer en Madrid, Alejandro Corujeira presenta en La Caja Negra la exposición "Al despertar, flotaban", integrada por pintura, escultura y una nueva edición de grabados en madera hasta enero de 2020.
El conjunto de obras de la exposición ?todas del 2019- está directamente relacionado con la participación del artista en la última Bienal de Sao Paulo, donde además de las pinturas hubo una presencia significativa de objetos escultóricos integrados en el espacio. Además, se presenta una carpeta de nueve grabados sobre madera con el mismo título, ?Al despertar, flotaban?.
Al principio me basaba mucho en la abstracción geométrica, pero he ido evolucionando cada vez a formas más orgánicas. La línea es para mí una forma de escritura y se ha convertido casi en el único elemento del cuadro, junto con las manchas. Me permiten dar una sensación de profundidad muy fuerte. Mi objetivo es sorprender al espectador. Sería fantástico darle una imagen inédita, lograr que viera algo por primera vez.- Entrevista para Faro de Vigo, 2006
Santander, 1941.
Grabador y pintor. Realiza su formación artística en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, Madrid y en 1972 marcha a París para profundizar en los estudios de grabado. Regresa a Madrid y en 1983 recibe la beca del Ministerio de Cultura para la investigación en técnicas de grabado.
Grabador de gran renombre, ha impartido cursos en la Universidad de Bellas Artes de Barode, India, en el Centro Internacional de la Estampa Contemporánea de Betanzos, en A Coruña y en México, Roma y Eslovenia.
Entre los premios obtenidos por el artista se encuentran el Gran Premio de la Bienal de Bhopal, India, 1989 y el Primer Premio de la Bienal de El Cairo, Egipto, 1994.
Su obra se encuentra en museos y colecciones como el Museo Centro de Arte Reina Sofía, Museo de Arte Abstracto de Cuenca, Museo Municipal de Santander, Biblioteca Nacional de Madrid, Museo de Arte Moderno - (MOMA) de New York, Museo Nacional de Praga, Kunsthaus de Zurich (Suiza), Los Ángeles Country Museum, L.A. Bharat Bhavan de Bhopal, (India), Museo Municipal Conde-Duque de Madrid, Museo Nacional de Egipto (El Cairo), Colección Siglo XX (Alicante), Biblioteca Real Albert I de Bruselas (Bélgica), Museo Nacional de Arte de Hanoi (Vietnam) y la Fundación Calouste Gulbenkian de Lisboa..
En el grabado hay una cosa maravillosa: el tiempo es distinto y te permite aclarar y oscurecer las manchas. En este momento me gusta trabajar directamente la plancha. Empiezo con el ácido y luego la intervengo. Combino distintas técnicas en una sola plancha. Con los años he visto que tengo muchos grabados de ediciones propias restos de serie.
He decidido revivirlos. Con un renacimiento en el que los intervengo directamente con técnicas húmedas a base de acrílicos. Con esta técnica consigo que la pintura y el grabado puedan viajar juntos.
Joaquín Capa
Miguel Condé, pintor mexicano, nació en 1939 en la ciudad de Pittsburgh, Estados Unidos.
Su formación artística se inició en Nueva York, donde trabajó con Steven Rogers Peck. En 1963 fue becado por el gobierno francés, iniciándose así su intensa y cosmopolita trayectoria artística. Becario de la prestigiosa Fundación Guggenheim, Condé ha recibido varios premios internacionales y es miembro titular de la Societé des Peintres Graveurs Français.
Vive en España desde el año 1969, y en Madrid desde 1992. Su obra esta representada en numerosos museos y colecciones públicas y privadas (Museum of Modern Art de Nueva York, Cleveland Museum of Art, Art Institute of Chicago, Biblioteca National de París, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Biblioteca Nacional de Madrid, etc). Expone regularmente en España, Francia, Alemania y los Estados Unidos, recibiendo el unánime elogio de la crítica de ambos continentes.1963-64 Obtiene una beca del gobierno francés (Bourse d'Etudes Libres) y se traslada a París, donde trabaja un año con Stanley William Hayter en su taller de grabado, Atelier 17.1966-69 Instructor de Dibujo y Técnicas Mixtas, programa postgrado de la Facultad de Bellas Artes, Universidad de Iowa, Iowa City, Iowa.1969 Vuelve a Francia. Viaja a España por primera vez y se establece en Sitges, Barcelona.1971-72 Invitado a participar en el taller itinerante de grabado del Smithsonian Institute en Barcelona, donde reinicia el trabajo en la obra gráfica.1972-73 Invitado a ser el Artista Extranjero en Residencia en el Instituto de Arte de Cleveland, Cleveland, Ohio.1973 Mención especial de pintura, -May Show-, Cleveland Museum of Art. Beca de la Fundación John Simon Guggenheim con la cual realiza la -Suite Guggenheim- en el Atelier Lacourière-Frélaut, París. Realiza su primera exposición en España en la Galería Juana Mordó de Madrid.1977 Invitado a participar en -Documenta 6-, Kassel. (catálogo).1978 Exposición -Miguel Condé: Guggenheim Suite- en las Salas Nobles de la Biblioteca Nacional de Madrid. (catálogo). Catalogue Raisoné:- Miguel Condé: Radierungen. Etchings. Grabados. Gravures 1963-1979-. Publicado por Manus Presse, Stuttgart. Invitado a participar en la exposición -Peintres-Graveurs Français-, Bibliothèque National, París.1981 Primer premio de grabado Landesbank, Stuttgart. (cat.) Exposición -Miguel Condé: 20 Años de Obra Grabada- organizada por el Ministerio de Cultura en las Salas Picasso de la Biblioteca Nacional de Madrid. La exposición viaja por España durante dos años. (catálogo)
1984 Exposición retrospectiva -Miguel Condé: Pinturas-Gouaches-Dibujos- en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. (catálogo) Realiza la -Baltrusaitis-Suite- editado por Manus Presse en el Atelier Lacourière-Frélaut, París.
1985 Exposición retrospectiva -Miguel Condé: Pinturas, Gouaches, Dibujos y Grabados (1973-1985) -en el Centro de Exposiciones y Congresos de la Caja de Ahorros y Monte de Piedad de Zaragoza, Aragón y Rioja, en Zaragoza y Valencia. (catálogo).
1986 Ilustración de -Chronique des Racines Douces-, con texto original de Michel Croce-Spinelli y editado por la Societé des Francs Bibliophiles, Paris.
Invitado a participar en la exposición -Peintres-Graveurs Français-, Bibliothèque National, París.
1989 Primer premio, -I/89 Euroamericana del Grabado-, Centro de Grabado Contemporáneo, La Coruña. (catálogo) Artista seleccionado, -Ibérico 2 Mil-, Catálogo Nacional de Arte Contemporáneo edición1989/90.
1991 Nombrado Socio Titular de la Société des Peintres-Graveurs Français. Artista invitado -II Bienal Internacional de Gravado 1992-, Ourense. (catálogo)
Ilustración del guión inédito de Luís Buñuel -Goya-. Presentación en la Lonja de Zaragoza y en l
Fernando Bellver. Madrid, 1954.
Pintor, grabador y escultor. Estudia en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, y grabado en el taller de Dimitri Papageorgiu. Crea con Arturo García Armada y Fructuoso Moreno el Taller Mayor 28. Recibe las becas del Ministerio de Cultura Noruego y de la Academia de España en Roma. Primer de grabado en la de El Cairo en 1988, Medalla de Oro en la Bienal de Alejandría en 1994 y Premio Nacional de Arte Gráfico 2008, Fundación ICO, Madrid.
Cuenta con una amplia trayectoria de exposiciones en ciudades de Europa, América y Asia. Participa en las Bienales Internacionales de grabado de Bradford, Ljubljana (Yugoslavia), Oslo, Taiwán y Gorizia (Italia). Sus obras se encuentran en instituciones como el Museo Nacional Reina Sofía, el Museo de la Universidad de Nueva York y el Museo de Arte Moderno del Cairo, entre otras.
Ermanno Barovero nació en Turín en 1956. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1974, completó sus estudios en 1978 en la Academia Albertina de Bellas Artes de Turín, donde ahora es profesor de técnicas de grabado.
Inició su actividad expositiva en 1975. En 1978 ganó el premio "Giacomo Grosso y Felice Casorati" de la Cassa di Risparmio de Turín y el Virgilio d'Argento del premio "Lubiam" de Sabbianeta. Fue premiado, en 1984, en el Concurso de Artes Plásticas Figurativas de la Galería Cívica de Monza.
En 1994 fue invitado a la Trienal Internacional de Gráfica en Cracovia. En 1996 la Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo de Turín, Fondazione De Fornaris, adquirió su bajorrelieve en láminas pintadas, titulado "Peces, que viven el mar de las heridas", de 1986. Al mismo tiempo también está presente con obras gráficos.
En 1997 expuso en la Troisième Biennale d'Art Contemporain de Lyon, en el "Back off".
Escribe Nico Orengo: "Rosas engañosas, de un rojo violento. De naturaleza sideral y madrastra como el amanecer de un big-bang, donde la luz del íncipit jamás podrá purificarse del cansancio de nacer, de la urgencia alejarse de la herida primordial de la existencia. Flores, las de Ermanno, preñadas de un dolor permanente e inalienable. Flores desafiantes, con una llama tan intensa como un relámpago, pero aún suspendidas al borde de una noche intensa, demasiado intensa y empapada. en olor quemado de coartada llévanos, incluso de engaño".
En 2003 presentó el personal "La quinta temporada" en la galería Prati de Palermo, presentado por Francesco Casorati.
?Ermanno Barovero. Las flores como signos ancestrales, sueños originales?
Escrito por Ivan Fassio - 29 julio 2012
Dos rosas sobre fondo negro, un intento ecléctico de síntesis posmoderna, representa una prueba relevante entre las propuestas de Studio Fornaresio en Turín.
La oscuridad del fondo recuerda, más que una noche, una tinta. Materia indistinta y primordial de la escritura, el negro se impone como fuente de representación. Violentas rosas rojas estallan a una mínima distancia del color que las precede. Si tuviéramos que describirlos para aquellos que no pueden verlos, podríamos referirnos a ellos como alucinaciones, apariciones repentinas, epifanías. Si, en cambio, estamos presentes frente al cuadro, percibimos su similitud con las imágenes que aparecen en nosotros cada vez que cerramos los ojos. Simulacro de medio sueño, esbozar el último momento que precede al sueño. La percepción extrema, que estalla antes del descenso al espacio onírico indistinto, se fija en la fracción de tiempo que roza la ausencia de sensibilidad.
Ermanno Barovero pinta corolas de carne, plantas seductoras, misterios vegetales sobre láminas esmaltadas, hierros, mesas y lienzos. Su práctica artística tienta el eclecticismo de estilos. Una especie de enfoque posmoderno filtra arquetipos de la historia del arte y los amalgama en una síntesis decorativa. Las metáforas barrocas y el movimiento futurista se entrelazan en un discurso que parece partir de una base abstracta para volver al reconocimiento de la figura: un desarrollo atrasado de la revolución vanguardista del siglo XX. A lo largo de los siglos, el artista ha concentrado la carga de modelos recurrentes en la trama de sus obras. Como en una relación ancestral con la pintura, la imagen brota de la fuerza del trazo y de la costumbre con el uso del signo elemental. Paredes evanescentes imaginarias de un mundo antiguo, soportes metálicos y lienzos se nos abren apeen apenas cae la noche. Acogerán nuestra reproducción de lo visible, el grabado de nuestra experiencia, la copia de la copia de nuestro primer sueño.
São Pedro do Sul, Portugal, 1945.
Su formación artística comienza con el curso de Grabador Litográfico en la Escola de Artes António Arroio y el curso de Grabado en Metal en la Cooperativa de Grabadores Portugueses. La Fundación Calouste Gulbenkian le concedió becas para trabajar en el Atelier17 en Paris y en el Goldsmiths College en Londres.
Recibe numerosos premios entre los que destacan: Mención de Honor Premio Nacional de Grabado, convocado por la Calcografía Nacional, Madrid - I Premio Internacional de Arte Gráfico Jesús Núñez, Fundación CEIC, Betanzos, A Coruña - Premio Nacional de Grabado, Museo del Grabado Español Contemporáneo, Marbella - Premio de Pintura en la Bienal Internacional de Bagdad - Premio Nacional de Gravura, Lisboa y Medalla de Oro de la Asociación de Grabadores Españoles, Madrid.
Su obra forma parte de colecciones institucionales: Biblioteca Nacional de Lisboa - Centro de Arte Moderno de la Fundación Calouste Gulbenkian, Lisboa - Museo del Grabado Español Contemporáneo, Marbella, España - Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Brasil - Bibliothèque Nacional de Paris, Francia - Museum of Modern Art, Bagdad, Irak y Calcografía Nacional, Madrid, España, entre otras.
La primera vez que estuve ante un obra de David de Almeida sentí como una sacudida, su contemplación me produjo una conmoción
José Saramago
Madrid, 26 de febrero de 1937- 14 de octubre de 2018
Fue un pintor, escultor y grabador español de estilo figurativo, clave de la figuración narrativa como de la Neofiguración (o nueva figuración) española y vinculado al pop art. También dedicó parte de su tiempo a la escritura.
En 1957 obtuvo la licenciatura en Periodismo en Madrid, pero fue refugiado en París desde 1958 por causa de su antifranquismo, Arroyo cobró tardíamente protagonismo en el circuito artístico nacional, a partir de los años 1980. Actualmente, sus obras cuelgan en los más reputados museos de arte moderno españoles y extranjeros (El Museo Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Guggenheim Museum de Nueva York, Museo de Arte de Lima y Museo Rufino Tamayo de México), y su creatividad se extiende a las escenografías teatrales y las ediciones ilustradas.
Fue Premio Nacional de Artes Plásticas en 1982, año en el que más tarde el Centro Georges Pompidou, de París, le dedicaría una gran exposición retrospectiva. También fue Premio Nacional de Arte Gráfico 2007, otorgado por la Calcografía Nacional de la Real Academia de Bellas Artes. El IVAM de Valencia le dedicó una gran exposición de Obra Gráfica; así como el Museo de Bellas Artes de Bilbao con La Suite Senefelder.
Artista polifacético, estuvo alrededor de 40 años realizando decorados teatrales junto con Klaus Michael Grüber, en lugares como la Opera National de Paris, Dusseldorf de Berlín, en Milán y en el Teatro Español de Madrid y Barcelona.
´´Tras muchos años de clausura intelectual y de monacato abstracto, la pintura, por delante de las otras artes, vuelve a ser narrativa, como en el Renacimiento, y el primero en dar la alarma es el esnobísimo Eduardo Arroyo. El mundo no lo ha movido el arte de pensar sino el arte de narrar´´
Francisco Umbral
Tras su fallecimiento en octubre del 2018, como homenaje, el Jardín Botánico de Madrid organizó una exposición llamada ??El buque fantasma?? en la que se exhibían 38 obras incluyendo la última que pintó, la cual da nombre a la exposición.
Además, El Museo Reina Sofía y el Museo del Prado bajo el título ?? Eduardo Arroyo. En recuerdo?? organizaron un memorial laico, que -con intervenciones breves de artistas, ensayistas, críticos y comisarios de arte que, entretejiendo la biografía con el afecto, reconstruyen el mundo simbólico de Arroyo-. Este artista tiene un protagonismo destacado en la Colección del Museo Reina Sofía, así como en sus actuales exposiciones temporales Poéticas de la democracia. Imágenes y contraimágenes de la Transición y París pese a todo. Artistas extranjeros, 1944-1968.
Kay Woo es una escultora surcoreana (Busan, Corea del Sur) que, tras trabajar en EEUU, ha fijado su residencia en Madrid.
El tema fundamental de la obra de la artista es la figura humana, en especial la figura femenina, el baile flamenco representada de una manera dinámica y la infancia.
El bronce, pulido o patinado, y el aluminio fundido son los materiales que emplea con más frecuencia para plasmar sus elegantes creaciones.
Luis Pérez Vega nació en León en la década de los 60. Estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid (UCM) durante los años 80.
En la década de los 90, Luis se centró en la pintura y el grabado, campos en los que recibió varios reconocimientos. Entre sus premios destacan el premio Arganzuela 91, otorgado por el Ayuntamiento de Madrid, y el II Premio de Grabado de Caja Madrid.
Su obra ha sido exhibida en ferias de arte como Estampa en 1994 y 1995. Además, varias de sus piezas forman parte de colecciones permanentes en instituciones como el Ayuntamiento de Madrid, el Museo de Betanzos, Unicaja Banco, Banco de Santander, CaixaBank, el Aeropuerto de Madrid-Barajas, la Colección Iberdrola y el Congreso de los Diputados.
En los años 2000, además de su producción artística, Luis se dedicó a la docencia. Durante la década de 2010, exploró técnicas de laminado con papel, ampliando así su repertorio creativo.
Entre sus exposiciones individuales recientes se destacan las realizadas en la Galería José Rincón en Madrid en 2017 y en la Galería Ángel Cantero en León en 2018.
En la década de 2020, Luis ha estado trabajando en la "Etapa Ciudades", una serie de obras que reflejan su visión de los entornos urbanos.
Luis Pérez Vega es un artista dedicado y en constante evolución, cuya obra ha dejado una marca en diversas instituciones y colecciones.
Alberto Datas. A Coruña, 1935 – Madrid, 2007.
Inició su formación en la Escuela de Artes y Oficios de A Coruña y continuó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, Madrid, desde 1956. En 1961, fue becado por el Ministerio de Asuntos Exteriores Español y la Embajada Italiana para estudiar pintura mural con Bruno Saetti en Venecia. Posteriormente, entre 1965 y 1968, recibió una pensión para estudiar en la Academia Española de Bellas Artes en Roma. Además, enseñó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y más tarde en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid.
Su obra artística evolucionó desde la figuración hacia la abstracción, manteniendo un orden que no llegaba a la afectación, reflejando tensiones similares a las de grandes artistas solitarios del siglo XX como Gorky, Pollock, Baselitz y Guston. Dotado de un sorprendente oficio, fue intransigente con los resultados, rechazando buena parte de su producción. Se destacan sus exposiciones individuales en la Galería Kreisler Dos, Madrid (1979), Galería Sagardelos, Santiago de Compostela (1984) y Galería Anselmo Álvarez, Madrid (1994). Participó en eventos como la I Nostra Unión FENOSA, La Coruña (1988) y el XV Salón de los 16, Madrid (1995).
Sus obras se encuentran en importantes museos y colecciones públicas como el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, el Museo Nacional de Nicaragua, los fondos del Centro de Arte Contemporáneo de la Xunta de Galicia y la Colección Unión FENOSA, La Coruña.
Datas recibió varios premios a lo largo de su carrera, incluyendo el Premio Nacional Fin de Carrera en 1961, la medalla de oro “Ciudad de La Coruña” en 1963 y la medalla de bronce en la IV Bienal de Alejandría (Egipto, 1965). Su obra, que abordó temas como la condición humana, la naturaleza y la crisis de nuestra civilización, muestra una evolución desde la pintura figurativa realista hacia una expresionista donde el gesto y el color adquieren un protagonismo central.
Datas fue considerado un referente para los artistas gallegos del grupo Atlántica, colaborando estrechamente con figuras como Antón Patiño, Xesús Vázquez y Francisco Leiro, entre otros. Contribuyó significativamente a definir la filosofía del atlantismo en el contexto internacional de la creación artística.
Pablo Amargo. Oviedo, 1971
Ha colaborado en publicaciones como The New York Times, El País Semanal, The New Yorker, La Vanguardia, National Geographic, y Jot Down Magazine. Ha realizado cubiertas para editoriales como Planeta, la Biblioteca Virtual de la Junta de Andalucía, Santillana, y Random House Inglaterra. También ha trabajado en carteles y comunicación para Paris Quartier D’été, Cruz Roja, Fundación Germán Sánchez Ruipérez, y la Biblioteca Insular de Gran Canaria. Especializado en la ilustración de libros, ha publicado con editoriales como Bárbara Fiore Editora, Media Vaca, Anaya, Ediciones SM, y La Joie de Lire (Suiza).
Ha sido reconocido con numerosos premios de ilustración, incluyendo el Premio Nacional de Ilustración en 2004, el Premio Lazarillo de Ilustración en 1999, el Premio Motiva de Ilustración en 2000, 2004, 2005 y 2010, el Premio del Banco del Libro de Venezuela en 2003, y una Golden Plaque en la Bienal de Ilustración de Bratislava. En Estados Unidos, ha recibido premios como dos Silver Medals de la Society of Newspaper Designers en 2015 por su trabajo para The Boston Globe, y múltiples Award of Excellence en el Illustration Annual de Communication Arts en 2013, 2014, 2016 y 2019.
En 2017, fue galardonado con la Gold Medal de la New York Society of Illustrators por su libro “Cats Are Paradoxes”, uno de los premios más prestigiosos en ilustración en EE. UU. También recibió Silver Medals de la misma sociedad en 2016 y 2019 por sus ilustraciones en The New Yorker. En 2016, fue honrado con el Premio Gráfica en reconocimiento a su contribución a la cultura visual. Su libro “Casualidad” ganó el CJ Picture Book Awards en Corea (2011), el Gold European Design Awards en Helsinki (2012), el Laus Bronze en España (2012), el Premio Motiva al mejor libro ilustrado en España (2012), y el Premio Junceda Iberia en Barcelona (2012).
“Cats Are Paradoxes” también fue galardonado con la Gold Medal 2017 por la New York Society of Illustrators y el Laus Oro otorgado por la ADG-FAD. Además, recibió el Award of Excellence 2017 en los Communication Arts Awards en EE. UU., y el Silver Award 2018 del Art Directors Club of Europe, entre otros reconocimientos.
En 2005, fue seleccionado para la exposición Ilustrísimos, organizada por el Ministerio de Cultura, representando a España en la Feria Internacional de Bolonia. También fue seleccionado en 2003 y 2009 para la Feria del Libro de Bolonia, y en 2003, 2005, 2007 y 2011 para Ilustrarte, la Bienal de Ilustración de Portugal. Desde 2013 hasta 2020, ha sido seleccionado en todas las ediciones de la New York Society of Illustrators.
Madrid, 1.936.
Realizó estudios de Pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, Madrid (1953-58); estudios de Grabado y Litografía en la Escuela Nacional de Artes Gráficas, Madrid (1957-63)y estudios de Decoración Cinematográfica en la Escuela Nacional de Cinematografía, Madrid (1961-64).
Ocasionalmente vinculado al mundo del cine y del teatro, colabora en diversas producciones. Su obra se desarrolla dentro de un lenguaje muy próximo al Pop Art, al que permanece fiel a lo largo de toda su trayectoria. Sin embargo, el modelo americano es transformado por Alcaín al buscar infundirle a sus creaciones un carácter marcadamente casticista y popular.
Caracterizada por una gran diversidad de soportes y técnicas (cartel, collage y hasta bordado), su obra evoluciona hacia contenidos más críticos, en sintonía con el Equipo Crónica y los artistas del realismo social. Sin embargo, el tono hostil de aquellos adquiere en Alcaín un tinte humorístico, lúdico, que se acentúa con los años.
Desde los 80 se produce un enfriamiento en el tono de su pintura, y comienza a incorporar relieves de madera y objetos que terminan saliendo del soporte pictórico, que se individualizan como objetos tridimensionales.
Reconocido grabador español, sus obras a menudo consisten en varias imágenes o bloques de color, que se ensamblan para conseguir una única imagen. El efecto es una obra de arte que no es únicamente fácil de ver y de entender, sino que además distintiva en un estilo de trabajo único.
En el año 2004 recibe el Premio Nacional de las Artes Plásticas, según el jurado, ?en reconocimiento a su aportación al desarrollo de las artes plásticas desde su personal interpretación del pop, guiado siempre por la reflexión sobre los estereotipos de la modernidad.
